domingo, noviembre 28, 2010

Maratón de Cineuropa y algo más.



Esta semana ya vieron que pude subir de nuevo un análisis largo y lleno de chapas sobre Ex Drummer. El motivo, mi poca asistencia en esas fechas a Cineuropa, tanto por motivos propios de falta de tiempo como de falta de interés en lo que ponían (este año la oferta no ha sido, ni de lejos, la de otros años), y por tanto pocas pelis para comentar. Así que, a falta de una semana para que termine el festival, y teniendo en cuenta que ayer fue el Maratón, y mañana hay que ver el clásico como buen varón heterosexual, vuelvo a comentar así por encima las pelis que he visto en el festival. Maratón incluído:

-Aita (José María de Orbe, 2010):

De entrada, no debería hacer un análisis muy exhaustivo, puesto que la proyección se paró a la mitad, debido a un fallo del proyector de la sala del Aula de Caixagalicia (que por otro lado es la mejor, para mi gusto). Lo que vi, fue más cine contemplativo, pausado y lento, con una historia que tendía a centrarse sobre la casa, explicando su vida. Buena fotografía, y actuaciones demasiado forzadas, faltas de naturalidad al estar demasiado colocadas para que el espectador las vea. Así que, sin saber como termina, uno se podía hacer una buena idea de como era, y por lo que habñe, no a muchos de los espectadores les apetecía ir al día siguiente a verla de nuevo, para intentar terminarla. Pero eso, que mi opinión no es completa.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 5.0 Actuación: 4.5
Total: 6.0

-Monsters (Gareth Edwards, 2010):

Cine supuestamente indie sobre extraterrestres, pero obviando toda la invasión para centrarse en una road movie de chico conoce a chica de lo más tradicional y trillado. Para más inri, ciertas pretensiones de cine político evidente con la inmigración desde México (el momento en el que se ve el muro, es de patada en los huevos). Fotografía discretita y tradicional y una falta de originalidad en los extraterrestres acorde con el resto de la peli. Al menos los actores, son mínimamente competentes. Pero mínimamente.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 6.5 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.5

-Gimme Shelter (Albert Maysles, David Maysles, Charlotte Zwerin, 1970):

Documental sobre el concierto que los Rolling dieron en Alamont, con los Ángeles Del Infierno como agentes de seguridad y que muestra, todo lo que rodeó al concierto, en el que por cierto llegaron a morir 4 personas (y nacer otras 4). Aparte, mucha música y sobre todo interesante ver como se montó el concierto y como los Rolling vieron el vídeo después, incluído un momento en el que un tipo con una pistola recibe la puñalada que acabó con él.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.0 Guión: 7.0 Interés: 7.0
Total: 7.0

-Días Brancos (José Manuel Mouriño, 2010):
Llegamos 10 minutos tarde, por aquello de comer algo entre Gimme Shelter y esta, sumado a la confusión de aparentar estar cerrada la Sede de la Fundación Caixagalicia. Dejando aparte lo gracioso y poco atractivo de la combinación de título y nombre del director, es un documental sobre Tarkovsky y su cine fuera de la URSS en el cual solo se muestran algunos planos de sus pelis en foto fija, y tan solo unas pocas entrevistas, donde tampoco se muestra demasiado del director ruso. Para colmo, montado como el culo, con el sonido subiendo y bajando cada vez que entra una nueva intervención, y con un extraño estilo de negros largos en cada cambio de plano. Vamos, una cosa cutre que muestra algunos momentos interesantes pero nada más.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 2.0 Guión: 3.0 Interés: 5.0
Total: 4.0




MARATÓN:
Fue un maratón de los largos, unas 14 horas en 7 pelis más la entrada auspiciada por Magnetova. De esta entrada, decir que no puedo opinar bien objetivamente, por mi amistad con Javi Camino y el hecho de colaborar con uno el videoclip de Triángulo de Amor Bizarro. Aún así, debo admitir que desentonaba un poco con el resto del programa en cuanto a contenido, aunque funcionó perfectamente para abrir boca y dar tiempo a los más retrasados a entrar y al resto a ir acomodándonos en nuestros sitios. En cuanto a la selección de pelis, como siempre, algunas demasiado lentas para meter en el tramo final, pero con grandes momentos en las primeras. Podríamos decir que Gaspar Noé fue quien puso la línea divisoria en cuanto a los aciertos de programación. La asistencia, bastante buena, pero en el plano negativo, como siempre, todos los chsst que se escuchaban en pelis que no venían a cuento (aunque no se lo que les molestaban los comentarios), y una tipa de la organización un poco borde que nos llamó la atención 2 veces sin que nadie de los dos palcos que compartíamos en comuna, haya entendido por qué. Especialmente al ser en las 2 últimas. Pero hablemos de cada una en sí misma:

-Tras El Cristal (Agustí Villaronga, 1978):

Un nazi tumbado en un pulmón de acero, un psicópata loco, violencia contra niños... Argumentos más que de sobra para disfrutar la peli. Además, buen trabajo narrativo, algo lento pero que se llevó bien al ser la primera del maratón, y una fotografía que demuestra que es cine español de la transición, pero con buen criterio del uso de luces. Además, buena actuación de Marisa Paredes, pero menos de Günther Meisner. Respecto a David Sust, aunque algo forzado, bien en cuanto a la frialdad psicopática que destila. Vamos, una joya del cine español que merece ser más valorada, aunque tenga sus momentos que le impiden un buen envejecimiento, como las transiciones entre cine bizarro y de terror puro.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Koroshiya 1 (Ichi The Killer, 2001):

Despiporre de violencia gratuita y animaladas. Lo mejor, fue ver varias deserciones (sobre todo, sabiendo que después tocaba Martyrs, a mis ojos mucho más dificil de ver, pero con menos salidas), y escuchar comentarios de modernitos gafapastoides hablando en su contra. Pero Ichi The Killer es lo que es, una animalada muy graciosa y llena de momentos épicos muy disfrutables si no pretendes que todo sea cine-arte introspectivo y reflecivo. Y Miike aquí, lo que pretende es diversión y entretenimiento, y lo consigue. Buenos efectos teniendo en cuenta su presupuesto y momento, porque cantan a digital en varios momentos, y actuaciones histriónicas pero adecuadas al tono.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Martyrs (Pascal Laugier, 2008):

La verdad es que la primera vez que la vi, me impresionó profundamente y me dejó muy mal cuerpo. En esta ocasión, supongo que por conocer ya la trama me dejó más frío. Aún así, una buena película que viaja en sus distintas etapas por varios estilos de terror muy diferentes, jugando con la catarsis a la perfección, para convertir al espectador en víctima. Su problema, el final tan sacado de la manga como una explicación y ustificación más o menos original. Buena dirección por parte de Pascal Laugier en las distintas partes, y unas actuaciones discretitas, sobre todo la protagonista Morjana Alaoui, demasiado distante y que triunfa en la catarsis gracias al guión y la narración.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Enter The Void (Gaspar Noé, 2009):

Si había una película a la que le tenía ganas en el maratón, era esta. Y desde un primer momento, con todo el estrobo de los créditos iniciales (aplausos tras ellos), Noe consigue que los que vamos con esas ganas estemos totalmente dentro de la película. Genial uso de la subjetividad, en una propuesta muy compleja a nivel técnico y arriesgada en cuanto a guión y narración. Pero sin embargo sale bien parada, y consigue un producto original, único y complejo que si peca de algo puede ser de que resulta repetitiva en algunos fragmentos (esos viajes a través de las luces llegan a aburrir) y de que el guión de la vida del protagonista es muy simple y puede hacer que llegue a resultar larga. A pesar de lo cual no le sobra ni un minuto con ese guión, todo es necesario y justificado para explicar el Libro de los Muertos tal y como lo hace. Y un buen nivel por parte de los intérpretes. Especialmente me sorprendió la niña Emily Alyn Lind, de las mejores interpretaciones infantiles que vi nunca.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 10.0 Técnica: 9.5 Guión: 7.5 Actuación: 8.0
Total: 9.0

-Class Of 1984 (Curso 1984, Mark Lester, 2010):

La peli sorpresa del maratón, supongo que escogida por la banda sonora de Alice Cooper, que tocaba ayer también en Compostela. Una historia divertida, con pandillas, violencia en las aulas y drogas de por medio. Eso sí, con demasiada pacatería y mucho menos interesante de lo que puede parecer por su cartel y la estética de los punks, que como siempre en estas cintas de los 80 son los malos y el problema de la sociedad junto con las drogas. Curiosa la aparición de Michael J. Fox (es su primera peli) y algunos momentos memorables como la caída desde la bandera. Pero poco más, con una estética propia de la época, y unas actuaciones discretitas.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-Bilbao (Bigas Luna, 1978):

Una película centrada en la figura de un psicópata con comportamientos obsesivo-compulsivos, que podría llegar a ser interesante, pero que está rodada torpemente y sin ningún ritmo, a pessar de tener un buen punto de sordidez y suciedad. A eso se suma el excesivo uso de voz en off del protagonista, supongo que para mostrar su mundo, sin conseguir más que sin él. Porque hay momentos que solo cuenta lo mismo que vemos, resultando bastante cómico. Eso sí, una banda sonora épica en cuanto a bizarrismo que merece ser tenida en cuenta. Ah, y un protagonista que, aunque consigue cargarse la peli a las espaldas, no es ninguna maravilla y queda algo forzado en más de un momento.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 4.5 Guión: 7.0 Actuación: 6.5
Total: 6.0

-Shivers (Vinieron De Dentro De..., David Cronenberg, 1975):

La última película, por supuesto jodida por el hecho de hacerse al final, cuando los víveres escasean y las fuerzas también. Así que reconozco que cabeceé algún momento. Pero bueno, una película con una idea divertida y extraña, propia de la época de la nueva carne de Cronenberg, pero también propia en cuanto a su narrativa no demasiado fuída y algo torpe en cuanto al ritmo. Destacar todo el fragmento final, y la equiparación a Zombies Sexuales que se puede hacer de todo el conjunto. Las actuaciones, bien, pero sin destacar.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 6.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.5


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martes, noviembre 23, 2010

Ex Drummer

Título: Ex Drummer


Director: Koen Mortier


Año: 2007


País: Bélgica


Duración: 100









Dries Van Hegen (Dries) recibe en su casa a 3 tipos bastante curiosos, pidiéndole que les ayude en su grupo de rock tocando la batería. Ante el panorama de tocar con un tío que no mueve un brazo y es marica, un skin que pega a todas las mujeres y a todo lo que le provoque y en su casa vive en el techo, y un sordo sin mucha esperanza en la vida. Resulta que Dries es un hombre de éxito, pero curioso por ver lo peor del ser humano, así que no puede mantenerse al margen y acepta la oferta.

Llegar a casa, ponerte cómodo, quitarte la camiseta, y a andar por el techo!


La relación entre la música y el cine siempre ha sido fluida. Más allá de lo que pueden ser simplemente los musicales y los videoclips, nos encontramos ya desde el comienzo del sonoro con El Cantor De Jazz, donde se veía que la música y los músicos eran algo de donde sacar historias, que además no se podrían contar tan bien en otros medios como el literario. Desde entonces, han pasado unos cuantos años, y podemos encontrar un buen número de producciones similares, como The Doors, 8 Millas o Talento De Barrio, donde vemos muchas de las jodiendas de quien intenta vivir de la música. Al igual que desde el punto humorístico, donde también se siguen mostrando más caras de la música, como ocurría en This Is Spinal Tap o en The Rutles.

Es que nadie va a pensar en los niños? Pues si, aquí si.


Y aquí lo que se muestra, además de esa búsqueda del éxito inherente a todas estas cintas de músicos, es lo más extremo posible de lo más chungo en lo más bajo, con unos personajes que están al nivel de una peli de John Waters en cuanto a desórdenes mentales y familiares, gracias a los cuales la violencia y la humillación se convierten en un continuo a lo largo del guión, olvidándose, gracias a ello, de toda la posible moraleja en que se suele caer sobre la lucha, la autosuperación, etc, y todo se convierte en una simple muestra de lo peor del ser humano en forma de humor negro y sin complejos.

Es gracias a este bizarrismo tan llevado al extremo, por lo que el ritmo de la historia es cojonudo, y, aunque haya algún momento como el del giro que da pie al final que resulta algo extraño, lo cierto es que en el conjunto global funciona perfectamente, y resulta coherente con todo el resto de la historia.

Y eso es lo que más asco da a Dries.


A ello ayuda también la propia ambientación que busca Koen Mortier, que se centra, con ayuda de la dirección de foto de Glynn Speeckaert, en mostrar la suciedad más absoluta dentro del estrato más bajo de la sociedad, escapándose del punto de vista con algún positivismo del pensamiento burgués que suele tomar el cine, y recordándome en ese principio a films como Trainspotting o Solo Contra Todos. Además, no se corta en experimentar con la imagen y lo extraño de las ideas del guión, como es el hecho de Koen de Geyter andando por el techo, o todas las partes que están montadas con la imagen al revés como si esto fuese Happy End. Destacar, también, el uso de cámara para los momentos de música, especialmente donde se evita por todos los medios que veamos a los actores tocando, poniéndolos de espaldas por ejemplo, para que al menos no den el cantazo, como ocurre muchas veces.

Eso sí, como decía, todos los lugares son sucios, muy sucios, y el único que se salva, es el piso de Dries Van Hegen, que aún así tiene un nivel de sordidez precisamente por lo aséptico, pero a pesar de ello oscuro y apoyándose en todo ese rollo enfermizo que también transmite el propio personaje. Y eso es gracias al trabajo de Geert Paredis, consiguiendo además de lo sucio un nivel de violencia transmitida emocionalmente que apoya a la perfección todo el conjunto.

Así es el interior de una vagina.


Pero bueno, también los propios protagonistas son partícipes de llevar al extremo todo lo mostrado, gracias no solo a sus interpretaciones con las taras físicas sino a las mentales, consiguiendo un nivel cojonudo. Para empezar, el propio Dries Van Hegen, con ese aire de superioridad y de frialdad casi psicopática, que consigue realmente crear un personaje duro y acojonante pero sobre todo repulsivo. También destacable Norman Baert en su rollo hiperviolento que marca ya al principio la peli y nos deja claro en que plan va a ser el espectáculo al que asistamos. Una pena no hablar ni pizca de flamenco para apreciar el ceceo que se comenta que tiene, pero bueno, en general un gran papel totalmente ido y desquiciado, aparentando estar en su propio mundo de violencia todo el tiempo.

El resto del grupo, también a buen nivel, y así, Gunter Lamoot, divertido aunque un poco más comedido que el resto de reparto y basando demasiado su personaje en el guión y en el hecho de no mover el brazo derecho. Que no es fácil, la verdad. El cuarto miembro original, Sam Louwyck, perfecto al convertirse en un perdedor absoluto, y resultando el más creíble dentro de su demostración de vida borderline. Incluso en el período de locura más pura, está a un nivel tremendo. Del resto del reparto, destaca Bernadette Damman, que varía demasiado en su personaje, perdiendo en coherencia, aunque sea tremendamente extrema en casi todos sus registros. Pero eso, que no llega a hacerse creíble en conjunto. Y por parte de los demás, con poca definición por el poco tiempo para lograrla, lo cual les supone un problema, aunque apoyen bien el desarrollo.

Que te llamen Gran Polla, ayuda a conseguir este tipo de momentos.


Con todo esto, un montaje de Manu Van Hove relativamente poco presente, permitiéndose el hecho de planos largos para dejar las acciones, pero sin dudar en ayudar a la historia en cuanto lo necesita, y desde luego luciéndose en momentos de experimentación como con los planos invertidos en todos los sentidos, o en los momentos del directo, consiguiendo siempre transmitir, junto con los juegos de cámara que citábamos antes, un sentimiento de violencia constante.

Y a ello, lógicamente, pues también se une el sonido, donde la música se hace presente y protagonista en muchas partes, y aunque normalmente se note que está grabada en estudio y no tocada en directo, pues no supone tampoco un problema de credibilidad y de hecho incluso le otorga un plus con el extrañamiento que supone. Por cierto, con una selección bien cuidada en cuanto a los temas escogidos, desde el Mongoloid de los Devo hasta Deep Fish, ambas tocadas por Millonaire para la peli, convirtiéndose así en una especie de alter ego de los Feminists que protagonizan el film, y destacando sobre temas de Mogwai, Isis o Lightning Bolt.

Este es el espacio más natural de la peli. Todos los locales tienden a ser así de sucios.



Resumen:

Una peli llena de bizarrismo y violencia bajo el marco de la música y la búsqueda de lo más bajo del ser humano, con un gran guión y un trabajo técnico que no tiene miedo a experimentar, consiguiendo transmitir mucho de lo que el guión necesitaba en cuanto a lo extremadamente borderline de la propuesta.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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martes, noviembre 16, 2010

Un poco de Cineuropa y actualización de Mondo Extraño, Mondo Estúpido


Bien, pues eso, que esta semana me decido por no subir ningún análisis de esos largos y tochazo para subir simplemente fotos hechas con el movil a la serie por todos conocida como Mondo Extraño, Mondo Estúpido. Y por qué? acaso porque soy un vago? Pues si, pero además porque hasta el día 4 de diciembre me dedico a asistir repetidamente a sesiones del festival de Cineuropa, a lo que se suman ciertos desórdenes del sueño que vengo acarreando, así que como uno de mis principios en los análisis se basa en el hacerlos inmediatamente después de ver cada peli y habitualmente no es lo que pasa en estos días, pues no voy a ir comentando cada una que vea con detalle.

Eso sí, las 6 que llevo, se las comento ahora en un periquete:

-Kûki Ningyô (Air Doll, Hirokazu Koreeda, 2009):

Una buena película sobre la soledad de la sociedad moderna y la alienación. Bien rodada, sencillita pero muy estética gracias al rollo naïf que lleva y con una buena interpretación por parte de Doona Bae. Eso sí, un final demasiado largo y algo lenta en partes.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.5
Total: 7.5

-The Man Who Saw Frankenstein Cry (El Hombre Que Vio Llorar A Frankenstein, Ángel Agudo, 2010):


Un documental muy sencillo sobre la vida y obra de Paul Naschy, excesivamente simple y con un formato muy televisivo. Interesante por las opiniones al respecto de gente como Joe Dante o John Landis, además de sus hijos y su mujer pero realmente poco destacable a poco que el espectador conozca la figura de Jacinto Molina.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Interés: 7.0
Total: 6.5

-Submarino (Thomas Vinterberg, 2010):

Cine con ciertos tintes sociales pero sin caer en el sentimentalismo barato habitual en el género. De hecho, funcionando realmente como excusa para contar dos historias casi paralelas realmente duras con adicciones y vidas jodidas de por medio, que es algo que siempre mola si no se usa para dar pena y listos. Además, un buen planteamiento con la repetición de tiempos para ver como discurre cada una, y unas interpretaciones cojonudas.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 8.0
Total: 7.5

-Medeni Mesec (Honeymoons, Goran Paskaljevic, 2009):

Cine bien planteado, con intención de mostrar la realidad que se vive en las actuales Albania y Serbia, con tantos conflictos aún sin resolver. Drama social demasiado pendiente de mostrar esa realidad, pero bien planteado y con un buen trabajo narrativo por medio de historias totalmente paralelas que muestran ambas caras de la moneda, y cómo no existen solo esas dos. Fallan un poco las interpretaciones en fragmentos, pero buen nivel en general y sin caer totalmente en lo llorón.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.5 Guión: 7.5 Actuación: 6.5
Total: 7.0

-Loong Boonmee Raleuk Chat (El Tio Boonmee Recuerda Sus Vidas Pasadas, Apichatpong Weerasethakul, 2010):

Bueno, y tras el éxito en Cannes y la curiosidad por un nombre como Apichatpong Weerasethakul, de quien no puedo hacer ningún chiste más fácil que el de su propio productor (sí, presentó hablando de pichas y culos...), caí en la trampa. Una cosa es la diferencia de sensibilidad por ser cine tailandés. Otra cosa es el engendro totalmente falto de ritmo, coherencia y mínima intención narrativa que es esta cinta. Básicamente, solo son 2 horas plagadas de planos vacíos y repetitivos donde hay un mínimo de fotografía en alguno pero que ninguna excusa sirve para explicarla sin tener que dar chapas al respecto e inventarse argumentos externos al film, es decir, algo que lleva al extremo lo hecho mil veces por gente como Sokurov o Angelopoulos. Pero con la diferencia de que ellos cuentan más que esto.
No se, Quizás es lo que quería el bueno de Weerasethakul, un film cuyo interés está en la relación con la explicación externa, la sinopsis y el acercamiento de cada persona al mismo, pero eso no cuela, al menos como cine. Si tal, como videoarte. Y eso es un género totalmente distinto en el cual ya vale cualquier cosa si se excusa bien externamente, así que está bien.
Por destacar algo, decir que hay trajes de gorila con led's en los ojos y sexo con peces, que supongo corresponderán a leyendas populares tailandesas, pero ni con eso se hace entretenida por el lado bizarro.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 4.0 Técnica: 3.5 Guión: 1.0 Actuación: 2.0
Total: 2.5

-Des Hommes Et Des Dieux (Of Gods and Men, Xavier Beauvois, 2010):

Una película que se vio demasiado afectada por coincidir justo después de la de Apichatpong. De ese modo, el cansancio era mayúsculo para ver otra muestra de cine contemplativo y reconozco que cabeceé en determinadas partes. De todos modos, y luchando contra el sopor, pude apreciar una historia que, dentro de ser muy pacata, maniquea y bienpensante desde el punto de vista de la integración religiosa y de la religión en sí misma, al menos aportaba un bonito mensaje positivo y tiene un mínimo de violencia y dureza para sobrevivir, jugando también con el miedo a la muerte dentro de la religión. Además, una buena fotografía y una buena interpretación del elenco en general.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.5
Total: 7.0

Y ahora, pasamos a las fotos. Estas son las nuevas:


Si, exacto, qué bien me conoce, señor Gill


La DGT aprueba totalmente este camión-somier



Yeah, un caracol que te deja ver su interior, el juguete favorito de los niños



A esto se le llama integración, y no se porqué, me hace mucha gracia



Ahora no basta con obligarlos a ir a misa y a vestirse con traje ridículo, también hay que humillarles con los regalos

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jueves, noviembre 11, 2010

Zombie Walk Xacobeo '10 En Vídeo!





Pues eso, que ya está en vídeo la zombie walk compostelana de este año, a escoger, como es habitual, entre la versión de Youtube y la de Vimeo:







Y por cierto, una vez más mi sincero agradecimiento a toda la gente que colaboró, tanto desde la casi anónima organización, el aguantar la cámara para que yo pudiera hacer el zombie, la gente que acudió y más a quien estuvo ahí a la sombra siempre colaborando en todo.

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martes, noviembre 09, 2010

Magadheera

Título: మగధీర (Magadheera)


Director: S.S. Rajamouli


Año: 2009


País: India


Duración: 166









En el año 1600 Kala Bhairava (Ram Charan Teja) y Mitravinda (Kajal Agarwal) mueren a causa de su trágica historia de amor. Pero ese sacrificio no se quedará ahí, sino que, 400 años después, sus reencarnaciones, Harsha e Indu respectivamente, tendrán una nueva oportunidad de ser felices juntos si se encuentran y son capaces de vencer a Raghubeer (Dev Gill), la reencarnación del hombre que en la antigüedad ya vivió para interponerse entre ellos e intentar quedarse con la chica.

Si, Chiru viene del pasado para traernos el baile!


Ay, el amor… Capaz de viajar a través del tiempo para que los enamorados puedan tener nuevas oportunidades de encontrarse una vez se reencarnen… o incluso que aguanten vivos durante siglos como le ocurría al Drácula de Coppola o vuelvan como fantasmas como en Ghost. Porque historias de amor hay muchas y, de hecho, es una de las principales bazas dramáticas con las que excusar casi cualquier argumento, desde las tragedias donde se acaba perdiendo la vida por lo que sea como en Titanic o Romeo Y Julieta, hasta las de gente que hace lo que sea por su media naranja como lo serían las historias de caballerías clásicas o incluso las fuerzas que le daba a John McClane para cargarse a los terroristas de Jungla De Cristal!

Pero a lo que íbamos. Lo que importa aquí es la peli, y lo que importa en la peli es esa capacidad del amor para arremeter desde el pasado y superar incluso a la muerte, planteándose desde un principio por medio de las dicotomías entre el pasado y el presente, con los paralelismos que existen y las formas en que la profecía se cumple, siendo nosotros, como espectadores, unos privilegiados en cuanto al conocimiento de lo que ocurre frente a los personajes, aunque en gran medida lo descubramos al ritmo del protagonista.

Aprended, niños, a no usar guantes de goma si quereis encontrar a vuestra media naranja de otra vida.


Todo ello, bastante bien y con buen ritmo, a excepción del hecho de que, a causa de esa búsqueda de explicar ambas historias, acaba conteniendo una película dentro de la otra, al explicar detalladamente, y durante más de 50 minutazos de flashback, la historia original de los antepasados de Harsha e Indu. Eso si, todo evolucionando hacia la espectacularidad y el dramatismo partiendo de lo que, en un principio, casi está en la altura de una comedia romántica. Bueno, al principio quizás esté más cerca de una peli de acción motorizada al estilo de Torque. Pero es que la evolución es grandísima a lo largo del metraje, al contener también parte de acción pura, parte de peplum moderno con unas cuantas reminiscencias estéticas a Prince Of Persia y su saga de Las Arenas Del Tiempo. Que la peli es posterior.

De verdad que no es el Príncipe Dastan ni el de la saga videojueguil de Las Arenas Del Tiempo. Ni está intentando serlo.


Todo rodado por S.S. Rajamouli buscando velocidad y dinamismo, en relación a esa espectacularidad que citaba antes, y sabiendo evolucionar entre las tres partes diferenciadas entre lo que es la historia de amor, la parte de acción y la visión del mundo antiguo. Eso descontando las canciones, que por suerte están relativamente poco presentes y no empañan la evolución de la trama, y donde se vuelve un poco menos preciso y errático, buscando más la esteticidad de los planos que la muestra de la coreografía. De hecho, no es raro el encontrarse con un montón de raccords de movimiento en ellas.

Pero bueno, estos raccords también tienen parte de culpa en el montaje, hecho por Venkateswara Rao Kotagiri, y que se queda en un punto bastante mediocre. Porque si bien hace un buen trabajo respecto al ritmo y en las escenas de diálogos y partes más sencillas, también se atora en varios momentos de lucha, haciéndole perder en espectacularidad a escenas como la de la lucha final. Que también habría que ver como estaban de calculadas las coreografías para poder criticar con consistencia.

Si, es un arco imaginario.


Además, a esto se suman unos efectos visuales tremendamente pobres si tenemos en cuenta el presupuesto de unos 6.000.000 € que tenían y que es una peli del 2009, dando el cante en unas cuantas ocasiones y sacando al espectador. Por suerte, ese presupuesto sí se nota en otros momentos como lo serían las explosiones y algún accidente aéreo que recuerda sospechosamente a La Jungla 4.0.

También en la fotografía de Senthil Kumar y en los decorados de S. Ravinder se nota ese presupuesto, y es ahí donde radica mucha de la espectacularidad, variando ambos aspectos entre los dos tiempos en cuanto a los tonos utilizados. Respecto a la fotografía, una iluminación totalmente natural en todo momento si dejamos de lado esa utilización de tonos anaranjados del pasado, y centrándose siempre en mostrar toda la escena. De todos modos, se le puede echar en cara la aparición de diversos planos extraños y que no vienen a cuento, donde los desenfoques y el uso de angulares demasiado grandes se hacen demasiado patentes y no dejan un aspecto demasiado natural a la imagen. En los decorados, destacan los antiguos, perfectamente diseñados incluso en sus partes hechas por infografía, siendo, cuanto menos, verosímiles.

Dominio absoluto de los CGI.


La banda sonora, por su parte, relativamente bien en cuanto a la música empleada más allá de las canciones, pasando desapercibida y acompañando a la acción. Es en cuanto a los sonidos de los golpes y los choques de espadas donde se queda más forzado, al resultar antinaturales y falsos en más de una ocasión.

En cuanto a las actuaciones, destacaría positivamente a Kajal Agarwal quien consigue, a partir de un estereotipo, evolucionar y transmitir en todo momento, llenando al personaje aunque en algún momento esté más fría y distante. Por debajo en cuanto a calidad, que no en cuanto a peso, Ram Charan Teja se queda con un personaje plano y poco definido, e incluso a veces sobreactuado a pesar del guión, haciendo que la mayoría de lo que nos transmite sea por guión y por su propia presencia física. Eso sí, hay que destacarle la pequeña diferencia de carácter que imprime a sus dos papeles, ayudando en parte a diferenciar ambas tramas temporales.

Por parte de Dev Gill, un buen trabajo como antagonista, especialmente en la trama actual, donde su frialdad es mayor, y su personaje está más cerca del prototipo de mafioso violento y egocéntrico. De los restantes, dejando de lado los geniales, y seguro que aún más geniales en el punto comercial, cameos de gente como Chiranjeevi (al que se le hace incluso un homenaje en los diálogos), destacaría a Srihari, quien escapa del lugar que parecía tener como bufón para hacerse un héroe de acompañamiento, y consiguiendo interpretar bien al personaje pese a la poca definición que tenía por guión.

Si, casi igual que en La Jungla 4.0. Por cierto, allí al fondo un par de planos antes había un montón de gente y más vehículos.



Resumen:

Una película con amor, acción e incluso una trama histórica que se hace tremendamente espectacular y dinámica sobre todo por su buen trabajo fotográfico, aunque pierda puntos por lo excesivo de longitud en el guión y un trabajo de efectos demasiado cantoso para el presupuesto y aspecto general de la cinta.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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martes, noviembre 02, 2010

Merantau Warrior

Título: Merantau


Director: Gareth Evans


Año: 2009


País: Indonesia


Duración: 107









Yuda (Iko Uwais) es un joven indonesio y perteneciente a los Minangkabau que se va de casa para hacer su Merantau, es decir, a aprender de la vida teniendo que enfrentarse a ella por sí mismo. Para ello se va a Yakarta, donde se encuentra con el niño Adit (Yusuf Aulia) y su hermana Astri (Sisca Jessica), a la que salva de manos de su jefe, Johni (Alex Abbad). Pero la red de tráfico de mujeres en que se involucra Johni es demasiado poderosa, y Yuda se tendrá que enfrentar para poder salvar y asegurarse de dejar a salvo a Astri y a Adit.

Peleas con tubos de hierro. Fantástico.


En la corriente actual del cine, como en la mayoría de las actividades vitales que llevamos a cabo, es imposible la no observación del pasado para fundamentar nuevas experiencias. Si, las teorías posmodernas, la nostalgia, etc. Y por esto tenemos tantas resurrecciones de subgéneros como sería el zombie, gracias a 28 Días Después o El Amanecer De Los Muertos, o la acción pura de los 80 y primeros 90 con esos buenos ejemplos que serían The Expendables o La Jungla 4.0. Todo ello, evidentemente, retomándose de modo que se adapte a los nuevos tiempos y su mirada hacia atrás, no siguiendo los mismos cánones que en su momento.

Y otro gran género en el que vemos esto, es en el de las artes marciales. Expliquémoslo: en los años 70 teníamos básicamente el cine de Kung Fu made in Hong Kong con ejemplos claros en Las 36 Cámaras De Shaolin o King Boxer o el de Kárate japonés donde destacamos por ejemplo la trilogía de The Street Fighter. Vale, había algunas cosas como La Sombra De La Garra De Cristal, por citar alguna otra indonesia, pero su repercusión no era la misma y estaban siempre supeditadas a las anteriormente citadas. Sin embargo, en la actualidad, aunque haya homenajes a esto del tipo de Kill Bill, e incluso pelis de los Shaw ahora que parecen querer volver como Drunken Monkey, la evolución nos lleva a nuevos estilos de lucha, en ocasiones propios de sus países de origen, auspiciados bajo el éxito de Ong Bak y su Muay Thai, o simplemente con grandes especialistas en artes foráneas como es el caso de la chilena Kiltro.

Esta cara solo significa una cosa: la has cagado, imbécil.


Y es en esta nueva estirpe del género donde se sitúa la presente cinta. Estableciéndose bajo la premisa de una película con ciertos toques sociales en su trama, se dedica a ofrecernos lucha en forma de Silat de un modo constante. Especialmente una vez que presenta la trama y comienza el conflicto. Y es que el guión del propio Gareth Evans se estructura de un modo simple y directo, obviando todas las posibles explicaciones al respecto de cuestiones como el tiempo que pasa, la obtención de más dinero por parte de Yuda una vez llega a Yakarta, o ese tipo de cosas que no nos aportarían nada en absoluto aunque nos puedan hacer replantear la historia y su verosimilitud si las pensamos y somos demasiado exquisitos y exigentes.

Desde arriba parece menos espectacular la subida, pero la imagen mola bastante más.


Porque aquí, lo que importa son las peleas, y en base a eso se hacen las cosas. Y Evans lo demuestra en todos los sentidos, y si tiene que dejar un guión un poco más flojo e incluso bastante malo en su final (totalmente innecesario y destrozando mucho de lo conseguido en los minutos anteriores), lo hará. Porque sabe que conseguirá marcar ritmo en base a su dirección.

Y así es. O al menos en las peleas. Porque en las partes de diálogo y evolución de la historia todo es más simple y convencional, incluso anodino y falto de fuerza. Pero las coreografías, que el propio director ha preparado, consiguen dar un plus de intensidad a todo el conjunto. Y teniendo en cuenta que la mayoría del metraje es pelea, esto es decir mucho. Curioso, por cierto, cómo van mejorando ya no solo en intensidad en cuanto pasa metraje, cosa normal, sino también en cuanto a ejecución, o al menos en dificultad y espectacularidad.

Para que dormir en el 1er piso si puedes pasar trabajo y subir al 3º?.


Claro está que para esto, la actuación de Iko Uwais ayuda enormemente. Porque se nota cuando un actor es un artista marcial de verdad y no es necesario falsear casi ninguna de sus acciones. Así que su trabajo en las coreografías es cojonudo. Pero además, a nivel dramático está a un buen nivel, siempre con esa pinta de personaje medio paleto e inocente aún a pesar de ser inteligente que no duda en sacrificarse por el bien. Solamente se le podría echar en cara algo de carencia de intensidad, pero no se le puede pedir todo y aquí lo que importa no es eso.

Y además, también el resto del reparto bien definido en cuanto a esas peleas, logrando que las peleas de varias personas tengan buen criterio, fuerza y credibilidad. A nivel dramático, cobraría importancia Sisca Jessica, que se hace creíble aunque sin darle ningún tipo de fuerza ni profundidad al personaje, sin apoyar así el desarrollo de la trama en el sentido de darle emoción. Mads Koudal, bien en su papel antagonista, fuerte y frío, pero forzado en más de una ocasión, aunque consiguiendo hacerse odioso. Especialmente al trabajar en pareja con Laurent Buson, mucho más comedido y creíble, aunque por ello cayendo mejor al espectador.

Una pelea a un armario solo se puede terminar de un modo.


De los restantes, podríamos hablar de Alex Abbad, bien y asqueroso, consiguiendo hacer mucho avance en la trama, y con la putada de un personaje tan perdedor y segundón, características que él, de todos modos, fomenta. Doni Alamsyah, por su lado, justito en sus diálogos, pero bien en la pelea, así que en conjunto no hay queja teniendo en cuenta lo poco que está en pantalla. Para terminar, podemos hablar de Christine Hakim, inconstante, pero con buenos momentos, especialmente en el final.

Y estas peleas, contadas con el montaje de Evans, correcto sin demasiados fallos en su mayoría y consiguiendo un buen ritmo, aunque mejorando a medida que pasa la cinta. Especialmente, vemos una gran diferencia en cuanto a las peleas, donde de la primera, montada a base de plano contraplano incomodísimo y muy falso, se llega a ir ganando en ritmo de combate incluso falseando de un modo muy correcto momentos en peleas como lo es la del ascensor, aunque lleguen a cantar por raccords de movimiento y posición.

Cuanto simbolismo en el color de los contenedores...


La fotografía, hecha por Matt Flannery, correcta a la hora de mostrarnos, casi siempre, muy bien toda la acción meneando la cámara por todo el escenario y dando mucha fuerza con ello. Destacar la cantidad de juego que busca en cuanto a uso de grúa y planos cenitales, y lo bien que consigue que entren en su mayoría. Se le echa en falta, aún así, un poco más de combinación y compincheo con el montaje para falsear unas cuantas caídas y golpes en los que cantan los cables de un modo excesivo.

En el tema del sonido, más que decente en cuanto a los efectos, sin plantear ningún momento especialmente incómodo ni chocante. A excepción de los momentos donde la música copa toda la banda de sonido, sobre todo porque esta no acaba de funcionar demasiado bien, más si tenemos en cuenta los momentos de tensión dramática, donde se transmite bastante poco.

Cuantas veces se puede ver una pelea en un ascensor?



Resumen:

Una gran peli de artes marciales, totalmente llena de acción, y con un guión que, si bien tiene sus errores, sirve perfectamente como base estructural a la historia. Además, con unas interpretaciones decentes y un trabajo técnico muy bueno.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.5

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